RITMI: descrizione e principi di questa forma d'arte.

 Dipingere musica

“Per me, ascoltare musica è come vedere un mondo di colori”

La musica non è solo un insieme di suoni, ma un potente veicolo di emozioni. La serie 'Ritmi' nasce proprio da questa profonda risonanza emotiva. Ogni brano ascoltato si trasforma in un paesaggio interiore vibrante di colori e forme evidenti in movimento, che si intersecano. Questi collage dipinti sono tentativi di rendere tangibile questa esperienza sensoriale, di condividere non solo ciò che vedo, ma soprattutto ciò che sento. Ogni opera è un frammento di un'emozione musicale, un invito a un'esperienza sinestetica dove lo sguardo si fonde con l'eco del suono. Il mio obiettivo va quindi oltre l'estetica, mirando a catturare un'emozione più profonda e quasi "estatica". Non intendo illustrare la musica, ma piuttosto evocare la sua essenza, la sua atmosfera, lasciando a chi guarda la libertà di interpretare queste 'tracce' visive e di trovare le proprie risonanze emotive.

Nel condensare l'essenza di un brano in una composizione statica comporta una scelta: quali sono i momenti salienti, le emozioni dominanti, le strutture fondamentali che definiscono l'opera musicale? Questi elementi diventano le 'tessere' con cui costruisco il mio collage. Il risultato non è una semplice illustrazione della musica, ma una sintesi visiva che cerca di catturare l'energia e l'emozione del brano in un'unica immagine. Quindi per questo si rendono necessari un codice fatto di colori e forme da me associate: dove i colori si riferiscono al timbro di ogni strumento o di un gruppo con circa la stessa altezza di suono e le forme li rappresentano ulteriormente indicando l’andamento (velocità di esecuzione) e l’umore (variazioni di tempo, dinamiche e articolazione) della composizione musicale ascoltata. La struttura del piano pittorico si presenta così con un intersecarsi di linee che coinvolgono le forme verso il centro della composizione descrivendo gli strumenti in evidenza con i colori propri di ogni timbro. Anche l’uso del legno contribuisce alla semplificazione, mentre i diversi spessori e il contrasto con il fondo scuro aiutano a far emergere i particolari. Il tutto crea così una struttura dove l’equilibrio è sempre fondamentale e ogni cosa è bilanciata.

Alle premesse e considerazioni anticipate, faccio seguito spiegando brevemente come ad oggi eseguo una composizione. Innanzi tutto è condizione essenziale la scelta di una musica che mi emozioni e che stimoli la fantasia a vedere i colori. Essa può essere di generi diversi dal rock progressivo al jazz, purché sia carica di passione compositiva dell’autore e anche ben eseguita. Riascolto il brano più volte, anche se già ‘assimilato mentalmente’ e scrivo degli appunti sui colori che escono, gli strumenti che intervengono e la loro importanza, la velocità di esecuzione in generale e anche del singolo strumento, poi le indicazioni sulle variazioni del tempo, delle dinamiche e delle articolazioni. Traduco tutto in linee e forme a cui aggiungo il valore dei colori. Preparo il piano pittorico e ci trasferisco il disegno, da questo ricavo le forme in legno grezze, che ridimensiono secondo la quantità di colore affinché si giunga ad un equilibrio compositivo. Dipingo dapprima il supporto ed i bordi, poi le forme e infine assemblo incollando le varie parti, lasciando che il colore del fondo risalti ogni forma. Questo metodo di lavoro, è più difficoltoso ma a me consono e introduce forse anche elementi diversi da quelli che normalmente sono attesi in un’opera d’arte. Non escludo in futuro di sperimentare nuovamente questi principi con pitture su tela o su carta, come già fatto inizialmente con alcune opere.

"Questi segni, forme e colori non sono casuali; sono il risultato di un dialogo profondo e personale con la musica, un tentativo di rendere visibile l'invisibile. E spero, che attraverso queste opere, si possa intravedere anche solo un frammento di quel mondo sonoro ed emotivo che mi ha ispirato."

Villa Scontrone, lì 01/04/2025            Lino Spada

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